Quem foi Anita Malfatti e por que o debate sobre sua principal obra ainda persiste
A maioria dos livros didáticos aponta O Homem e a Boneca (1915) como a obra-prima de Anita Malfatti, e tecnicamente faz sentido. A pintura mostra um homem em primeiro plano com uma boneca nas mãos, execução expressiva com pinceladas soltas, cores não-naturalistas. Mas se você passar mais de cinco minutos estudando o período moderno brasileiro, logo percebe que essa identificação é meio rasa.
anita malfatti principal obra: o que realmente importa
A questão é que "principal obra" depende completamente do critério que você adota. Se for impacto histórico, talvez a resposta seja outra coisa. Se for maturidade artística consolidada, aí a história muda de figura. O Homem e a Boneca ganhou essa reputação principalmente porque foi o quadro que Monteiro Lobato analisou na seção "A Propósito da Exposição Malfatti", publicada no Correio da Manhã em dezembro de 1917. Lobato chamou a obra de "expressionista" e usou o termo "esquizofrênica" para descrever a produção dela. Esse texto é considerado o documento fundador do Modernismo no Brasil. Então sim, a obra tem peso histórico enorme. Mas isso não significa automaticamente que seja o trabalho mais importante dela em termos artísticos.
O problema é que muita gente para aí. Lê Lobato, associa o quadro à fundação do modernismo e encerra o assunto. Eu já vi estudantes de história da arte brasileira entregarem trabalhos universitários com essa linha de raciocínio simplificada, e o professor não corrigia porque a narrativa estava consolidada nos manuais. Se você quer mesmo entender o que faz Malfatti ser relevante, precisa ir além do 1915. A exposição de 1917 foi o momento de ruptura, mas as pinturas dela dos anos seguintes mostram uma artista que estava constantemente revisando seu próprio lenguaje visual. Não estava simplesmente repetindo o expressionismo que havia adotado em Berlim.
👉 Clique no botão abaixo para saber mais sobre o assunto!
Um detalhe que poucos mencionam: Malfatti passou quatro anos na Europa, entre 1912 e 1916, estudando principalmente em Munique e Berlim. Lá ela entrou em contato com o expressionismo alemão, com a obra de Kirchner e Nolde. Mas ela também viu obras cubistas e futuristas. A formação dela era mais ampla do que a imagem de "expressionista brasileira" que ficou grudada. Outro ponto: o episódio Lobato foi duplamente injusto. Por um lado, Lobato defendeu Malfatti contra a crítica conservadora da época. Por outro, acabou reduzindo a produção dela a uma única leitura expressionista. Isso limitou a recepção da obra dela por décadas. A crítica posterior frequentemente avaliava cada quadro novo como "mais do mesmo" ou "recuo em relação ao expressionismo", sem considerar que a artista estava evoluindo.
Se você está pesquisando para um trabalho acadêmico ou tentando montar uma leitura mais consistente, sugiro começar pela produção de 1918-1922, período em que Malfatti desenvolveu uma linguagem mais pessoal, menos dependente das referências expressionistas diretas. Quadros como Face (1918) e Cenografia (1919) mostram uma transição interessante onde ela começa a simplificar formas de maneira mais autoral. O Museu de Arte Moderna de São Paulo mantém um acervo significativo das obras dela. A Fundação Armando Álvares Penteado também tem peças importantes. Se conseguir visitar pessoalmente, observe a diferença de tratamento da superfície pictórica entre os quadros e posteriores a 1917. A tinta aplicada após a polêmica de Lobato tende a ser mais controlada, menos gestual. Isso não é um retrocesso. É uma decisão consciente de refinamento.
Existe ainda a série de caricaturas que Malfatti produziu na revista Klaxon, entre 1922 e 1923. Embora não sejam pinturas de cavalete, essas ilustrações são fundamentais para entender como ela navegava entre diferentes registros visuais no mesmo período em que construía sua trajetória como pintora moderna. Muitos pesquisadores ignoram essa produção gráfica, tratando-a como mera ilustração, quando na verdade ela revela estratégias composicionais que reaparecem nas pinturas. Sobre acesso às imagens: o acervo digital do MAM/SP e do Instituto Moreira Salles disponibilizam reproduções de alta resolução das principais obras. O catálogo raisonnée mais confiável ainda é o trabalho de Beatriz Rezende Santos, embora incompleto. Para comparações lado a lado entre períodos, recomendo organizar uma pasta própria com imagens dos anos 1915, 1918, 1922 e 1927, que marcam fases distintas na evolução visual dela.
